Вилем де Коундин и неговата картина

Вилем де Коундин е роден на 24.04.1904 г. в Ротердам (Холандия). Водени от рязко проникване ум, силна работна етика и твърд samosomneniem - комбиниран с решимост да достигне - харизматичния де Кунинг се превръща в един от най-влиятелните американски творци на ХХ век.

Проучване и преместване в САЩ

Показване на интерес към изкуството от ранна възраст, Вилем вече през 12-те години той е работил като стажант във водеща фирма за дизайн и с подкрепата си отиде на вечерно училище на престижната Ротердам Академията за изящни изкуства и технологии, който през 1998 г. е преименуван в негова чест, получавайки името академия Вилем де Кунинг.

През 1926 г. с помощта на своя приятел Лео Коган той плава на кораб в САЩ и се установява в Ню Йорк. В този момент той не се стреми към живота на художника. По-скоро, подобно на много млади европейци, той има своя собствена версия на американската мечта (големи пари, момичета, каубои и т.н.). Въпреки това, след кратък престой като художник, той става професионален художник, потопен в творчеството и изкуството в света на Ню Йорк, като приятели с такива известни личности като Стюарт Дейвис и Аршил Горки.

Ню Йорк училище

През 1936 г. по време на Голямата депресия де Кууннг работи в катедрата за стенописи на американското министерство на благоустройството. Натрупаният опит го убедил да се посвети изцяло на рисуването.

До края на 50-те. де Коундинг и съвременниците му в Ню Йорк, включително Франц Клайн, Джаксън Полок, Робърт Матеруел, Адолф Готлиб, Ад Рейнхард, Барнет Нюман и известен отказ Марк Ротко да приеме стилистични норми, като регионализма, сюрреализма и кубизма, разтваряне на връзката между преден и заден план и с помощта на боя, за да се създаде емоционална, абстрактни жестове. Това движение се наричаше различно - както живописно действие, така и абстрактен експресионизъм и просто училище в Ню Йорк.

Преди това центърът на авангарда се смяташе за Париж и тази група от амбициозни американски художници трудно се съревноваваше с иновативната природа на творчеството на Пикасо. Но де Коундин каза безцеремонно: "Пикасо е човек, който трябва да бъде надминат. Вилем и неговата група накрая успяха да привлекат вниманието - те са отговорни за историческата промяна на вниманието към Ню Йорк през годините след Втората световна война.

Сред своите връстници де Кунинг става известен като "художник", а след това получи признание през 1948 г. на първия си monovystavkoy Чарлз Egan Галерия на възраст от 44 години. Тук са представени картини, гъсто обработени с масло и емайл, включително известните му черно-бели платна. Тази изложба беше важна за репутацията на Куннинг.

Малко след това, през 1951 г., той успя да направи един от първите си големи продажби, когато той получи медал и награда на Logan Art Institute в Чикаго за голямата абстракция "Изкопни" (1950). Това е може би една от най-важните картини на ХХ век. Тогава де Коундинг се присъедини към подкрепата на двама водещи критици в Ню Йорк - Клемент Грийнбърг, а след това и Харолд Розенберг.

Отклонение от абстракцията

Успехът на Вилем дьо Коундин не отслабва нуждата му от изследвания и експерименти. През 1953 г. той разтърсва света на изкуството, представяйки серия от агресивно изчертани фигуративни произведения, широко известни като "жени". Тези образи са по-скоро типове или икони, отколкото портрети на хора.

Завръщането му в цифрите се възприема от някои като предателство на абстрактните експресионистични принципи. Той загуби подкрепата на Грийнбърг, но Розенберг остана убеден в значението му. Музеят за модерно изкуство в Ню Йорк възприема промяната в стила на Kuning като прогрес в работата си и през 1953 г. придобива картината "Woman I" (1950-1952). Това изглеждаше стилистично реакционерно, за другите това очевидно беше авангардно.

Рязко покачване на славата през 1948-1953. е само първият акт в забележителната кариера на художника. Независимо от факта, че много от неговите съвременници са разработили собствения си стилен авторски стил, любознателният дух на Коундин не позволяваше такова ограничение. Справяйки се с привързаност към всяка догма, той продължава да учи нови стилове и методи, често предизвиквайки собствените си. "Необходимо е да се промени, за да остане същото" - едно от неговите често цитирани изявления.

В филма на Марилин Монро от 1954 г. Вилем де Коундин съкращава иконата на поп до най-разпознаваемите си черти - черна муха и широка червена уста.

От рисуване до гравиране

De Kooning беше еднакво удобно да използва както хартия, така и платно. Но първият осигури непосредствения резултат, който го привлече. От септември 1959 г. до януари 1960 г. художникът остава в Италия и за това време произвежда голям брой експериментални черно-бели произведения на хартия, известни като "римски рисунки". След като се връща, отива на Западното крайбрежие. В Сан Франциско De Kooning работи като четка и мастило, но, по-интересно, той експериментира с литографията. Две резултатни отпечатъци (известни като "Вълни I" и Вълни II) са се превърнали в ярки примери за абстрактна експресионистична гравировка.

Борба с посоките

До края на 50-те години Вилем де Коундин от жени се преместили в женските пейзажи и още - това, което изглеждаше като връщане към "чиста" абстракция. Тези произведения са съответно наричани "градски", "алеи" и "пасторални" пейзажи. Пейзаж Серия от Вилем де Кунинг -. Полицията ДВ, Gotham новини, Parc Розенберг, от врата до река, Предградие в Хавана, и т.н. Но той никога не напълно напусна света на реални обекти в името на чистата абстракция. Той каза, че през 1960 г., че "днес, ако смятате, че е абсурдно да се създаде един образ на човека цветове, тъй като ние имаме този проблем - да се направи или да не го направи. Но внезапно още по-абсурдно е бездействието. Затова се опасявам, че ще трябва да следвам желанията си. " Човешката фигура е самоутвърждавана, сега в нейната по-плътска форма.

Преместване в Лонг Айлънд

През 1963 г. де Коундин се премества от Ню Йорк до Спрингс в Източен Хамптън на Лонг Айлънд. Чрез манипулиране на пространството като скулптор, той проектиран и построен на въздуха, изпълнен със светлина и студио къща в тихо гориста местност, където работи в продължение на 60 години, преди най-накрая се премества там през 1971 година.

Светлината и пейзажа на Източен Хамптън му напомняха за родната му Холандия и промяната в средата отразяваше работата му. Цветовете омекнаха, фигурите станаха по-условни и в тялото, вместо зло и златистки жени, се появиха повече танцуващи и привлекателни момичета. Той продължава да експериментира с бои, добавяйки вода и шафраново масло. Това ги направи хлъзгави и мокри, което изглеждаше изключително трудно за много хора да работят.

Експерименти от 70-те

По време на кратко пътуване до Италия през 1969 г., след среща с приятеля си Херц Емюнюел дьо Коундин, създадоха 13 малки глинени фигури, които след това бяха хвърлени в бронз.

В началото на 70-те той изследва както скулптурата, така и литографията, като продължава да рисува мастила и молив. През този период в картините му се появяват повече графични елементи. Някои бяха направени чрез просто нанасяне на боя, без да се използва по-живописен подход. Тя може да се случи под влияние на японското изкуство и дизайн, с която се е запознал по време на престоя си в Япония в началото на 1970 Неговото литография изглежда да отразява въздействието от чертежа на японския мастило и калиграфия, предаване на чувство за отворено пространство, което, от своя страна, се отразява в някои от картините на De Kooning.

Десетилетието на 70-те години бе отбелязано за пръв път с експерименти с материали и след това с пробив. Поради или въпреки търсене творчески в края на 1970 плетиво продуктивен период, през който художникът създал чувствени гъсто цветни продукти, които са един от най-разумни абстракции.

Serene 80`s

Визуалната борба е маркерите на голяма част от кариерата на Вилем де Коундин. През последното десетилетие той имаше късмет да разсее някои от тях. Преместването далеч от смилане методологията, рисуване, наслояване, подготвяне на терени, платно въртене и повтори отстъп за гледане на всеки пъти на климата и намаляване на ненарушени модел от 80-те може да се разглежда като краен синтез на кривина и абстракция, живописта и рисунката, както и баланс и дисбаланс.

От година на година през 1980 г., художникът изследва нови форми на изобразителното пространство и това се доказва от произведенията на Вилем де Кунинг с етерични лента с форма на пасажи или конзоли, през които прави линии могат да плуват или рязко да спирате и баланс на широко отворени области и по-оживени, смели, лирически пространства. Ярко оцветени, предимно линейни елементи се сравняват с тънко тонирани бели зони. С откровената си нагласа да прегърне ежедневието на Коундин е свободен да описва не-интелектуални, светски или хумористични герои, които понякога са осезаеми в абстрактните му картини. Това отново илюстрира постоянното му желание за свобода от доктринарни идеи за това как изкуството трябва да бъде.

Всичко това се отразява в спонтанността и простотата на безгрижен заглавия, които той даде няколко дела през 1980 г.: "Ключът и парада", "мяу котка" и "Елен и сянка." Де Коонинг достига по-отворена и по-малко обезпокоителна точка в художествената си кариера.

Последни години

De Kooning написва последната си снимка през 1991 г. Умира през 1997 г. на 92-годишна възраст след необичайно дълга, богата и успешна кариера. De Kooning никога не престава да учи и разширява възможностите на своите занаяти, оставяйки незаличимо впечатление на американски и международни художници и любители на изкуството.

Световно признание

През целия си живот, художникът Вилем де Кунинг е носител на много отличия, в т. Н. на президентския медал на свободата през 1964 г. Негови творби са участвали в хиляди изложби и са в постоянните колекции на много от най-добрите художествени институции, в т. Н. В музея Stedelijk в Амстердам , Tate Modern в Лондон, Националната галерия на Австралия в Канбера, Metropolitan Museum в Ню Йорк и Музея на модерното изкуство, изкуство институт в Чикаго, Музея на Hirschhorn и Вашингтон Националната художествена галерия.

Размерът на Willem de Kooning (1955) в Sotheby`s през 1989 г. е продаден за 20,6 милиона долара. През същата година получава имперски награда на Асоциацията на изкуствата в Япония. През 2006 г. картината "Woman III" бе закупена за 137,5 милиона долара, като стана една от най-скъпите картини в света.